Il primo è una sorta di astrazione geometrica, intesa come ripetizione di forme attraverso un modulo. Essa non investe la composizione, ma, razionalmente, la struttura delle cose rappresentate, con un risultato molto gradevole.
L'elemento di ripetizione continua, che Ilde chiama continuità, non è assurdità, piuttosto stabilisce una considerazione di forma, di spazio, che può dilatarsi anche fuori dalla concezione della misura.
Il secondo elemento, che emerge in modo evidente nelle figure, è il dato pittorico, sempre fortemente ed intensamente carico di emotività. In questa seconda matrice si denota il senso profondo della sua pittura, inteso soprattutto sul piano della luce. In lei è forte il senso tra buio ed emersione, tipico di chi sa dipingere.
Nei lavori di Ilde risultano evidenti, così, due qualità dialettiche, non consequenziali tra loro: mentre una ha un valenza pittorico-emotiva, l'altra è un modulo usato come concetto razionale di immanenza.
In alcune opere questo segno di astrazioni geometriche è vissuto a livello di maggiore consapevolezza rispetto alle continuità dei moduli, e tende a stabilire una relazione di volontà. Il segno diventa architettura di uno spazio e le linee entrano dentro la struttura della materia, stabilendo l'esistenza di una relazione che contiene germi di razionalità. Tale segno è avvertito come elemento di arbitrio e rimane esterno alla concezione di una relazione di compenetrazione. In questo senso la relazione tra figure e linee diviene d'ordine concettuale, razionale. Sicuramente si tratta di una esigenza di crescita personale sana e profonda; esprime uno stato di necessità attuale, alla ricerca di una futura maggiore maturazione emotiva.
Il linguaggio del modulo in Ilde nasce, appunto, dalla necessità; la tecnica, il meccanismo usato deriva da questa necessità.È importante per Ilde, tuttavia, tener conto del possibile riconoscimento e scoperta del meccanismo che ha generato il suo linguaggio pittorico, e ciò per evitare che il mistero stesso che sta dentro la sua pittura scemi.
Per questo immagino debba avvenire, come già è constatabile in alcune opere, una compenetrazione della sfera razionale con quella fatta delle emozioni.
In altre opere, create immettendo della materia all'interno di una struttura preesistente, riconosco l'esistenza dell'intuizione di una relazione pittorica molto sentita. La materia immessa è straordinariamente sintonica con lo spazio, la volumetria, l'elemento plastico necessari, divenendo, in qualche maniera, quella che io chiamo cancellazione. Ilde sottrae ad uno spazio definito la sua certezza, creando antitesi e dialettica. Nel momento in cui lei invade una volumetria definita con un "segno" emotivo, fa precipitare la concezione razionale che apparteneva ai pixel dell'immagine originaria. Entrare in quell'immagine, lacerandone la certezza, mette in moto una tensione, che è possibile definire come tensione pittorica. L'opera diventa inquietante ed affascinante, perché rimane vivida in essa la dicotomia tra l'aspetto razionale e quello emotivo.
Ciò che entra in collisione con le certezze dell'immagine definita, diviene tensione, lotta. Questa lotta è violenza armonica, sostanza vera di quello che è la pittura: la ricerca, l'emozione.
La mancanza di certezze, data dalla cancellazione del preesistente, in genere, è uno degli elementi di un'opera d'arte. Difatti, proprio per la mancanza di certezze ed il subentrare dell'impotenza, l'artista tenta di distruggere per giunge ad una rappresentazione nuova. Così proprio da quell'impotenza si genera ricchezza, creatività.
Rispetto a tutte le opere, quelle piccole hanno delle intensità maggiori, per la possibilità di operare un continuo controllo sulle stesse.
Alcune di esse frammentano uno spazio. Ilde in esse integra le forme, creando un'anomalia. Il risultato è abbastanza ricco e coinvolgente.
La violazione è talmente precisata che stabilisce un elemento pittorico generante una qualità che sviluppa molte delle caratteristiche che le sono proprie.
Credo che Ilde abbia una natura psicologia che ha urgente bisogno di essere tradotta in opere pittoriche. Questa necessità è la sua vera natura. Quando penso a lei ed ai suoi lavori, giungo alla conclusione che Ilde è una persona, una donna, un'anima, che vive alcune contraddizioni, che fanno parte dell'ordine pittorico, e dell'ordine poetico. E ciò mi sostiene nell'incoraggiarla a continuare lungo una strada che la farà giungere ad una forma di ricerca sempre più aderente, non tanto alla sfera razionale, quanto a se stessa, alla sua autentica sfera emozionale, che sa già cogliere pienamente il senso ed il respiro della realtà presente.

Le opere dela Barone trasudano sensualità espressa nella sintesi della bellezza femminile, della materia preziosa, dell'ambigua resa della sottrazione, privilegiando la parte per il tutto; e se in alcune opere il corpo è leggibile in gran parte, in altre è solo un frammento che è dipinto in un intreccio con dei fiori, dei petali.
Il piacere della materia, la composizione astratta, di per se stessa seducente, nel suo ritmo, come può essere espresso un motivo decorativo di un tappeto, diventano spazio e luogo, talvolta un mare o una spiaggia, molto più spesso un luogo dell'immaginazione, un eden fatto solo di colori, un luogo dove vivono le dee e le ninfe, dove vivono le ragazze nel loro splendore e nella loro prorompente vitalità.   La Barone punta agli archetipi antropologici della bellezza e dell'arte, ai due poli della natura e della materia, attingendo alla storia delle forme dal puntimismo all'informale al maestro contemporaneo Sarnari. Spesso lavora con i piccoli formati, dove rivela particolari attenzioni miniaturistiche. Il risultato d'assieme delle opere comunica una fragranza e una freschezza non comuni.

Nasce spesso dal taglio fotografico la sua idea figurativa e probabilmente sviluppa una accorata distorsione, provocando un corto circuito, con l'apposizione materica di stucchi a coprire, quasi pudicamente, quegli scorci imbarazzanti, oppure si concentra sul nucleo corporeo tralasciando mente e pensiero con essa.
Ilde è attratta dal corpo; è senz'altro narcisisticamente attratta dai lineamenti di un così evoluto complesso di linee e materia; è, senza dubbio, sconvolta della sua stessa impurezza e tale traspare il suo sentimento nella vibrazione della sua mano al lavoro.
Lo sconcerto di scoprire violato il proprio corpo apre alla voracità di credere incapace la coordinazione psico-fisica; come anche di ritenerla distaccata, scollegata, incompleta.
Le sue opere sono lacrime indignate per la perdita di luoghi del corpo e al contempo amore eterno, quanto profondo e infinito è per la psiche la memoria del corpo.
Dal segno accademico dei disegni e dal matrimonio con i toni acerbi, nascono intense composizioni teatrali. Dallo studio delle linee e delle materie vengono suggestioni vivide e accalorate in cui seni e cosce muoiono di colore; ombre e pallide riflettenze si svestono del timoroso velo di imbarazzo.
È però nelle più recenti materie che l'autrice trova una dimensione finalmente confessata, un sorriso.
Nascondere i corpi dietro il sipario di tanti diamanti colorati rappresenta una raffinata intuizione, che apre alla collaborazione di due mondi fin ora alternativi. Ilde lavora sul tessuto della donna senza doverlo lacerare o stravolgere cromaticamente; ora concepisce forse due piani prospettico-storici distinti che adagiano una pelle rugosa di audaci toni sul paesaggio; ora aggraziato e pacificato delle figure.
Lo stimolante lavoro di questa autrice è ricco di auspici teatrali, di grazia di danzatrici classiche e acuti di cantanti liriche, è strutturato di movimenti scenografici e disciplina di autocritica.
Quella di Ilde Barone è opera densa di coscienza dell'infinito e insieme ingenuo desiderio nel dire.

Un'arte autobiografica in cui  la materia, i colori e la luce diventano espressione di emozioni violente e delicate al contempo; emozioni di cui l'artista è prigioniera. Da qui la scelta, ripetuta, di racchiuderle in opere di piccole dimensioni, nel tentativo di tenere tali emozioni sotto controllo.
La presenza ricorrente del corpo, che si riconferma negli ultimi lavori, è frutto di uno studio che è ricerca continua, ricostruzione di sé stessi; un atto di sopravvivenza in cui fare arte diventa, ancora una volta, una necessità.

Mai immobili.
Per vedere la luce.
E una volta nate, però, vivono e si contorcono nel nero.
Mai immobili. Mai.
Tormentate, avvolte nella propria carne come in triste ricordo
di quella idilliaca nascita arcobalenata.
I paesaggi immateriali, splendide simmetrie di possibili flore, no
Loro vivono nell'indefinizione dello sguardo: fiori? Forse. Erba? Cielo? Monti?
Forse.
Indefinizione dello sguardo.
Bastano le simmetrie.
E i colori.
Nel mentre,
ai bambini,
e ai volti attoniti delle pietre,
basta il bianco per decretare la loro esistenza.
E Ilde Barone dov'è?
Dorme, crediamo.
Pensa, crediamo.
Il volto dal lieve rossore, dalle carnose labbra livide,
incorniciato dal nero.
E intorno ai suoi sogni o ai suoi pensieri,
il caos delle pennellate forti.

I suoi scatti, spesso centrati su dettagli del corpo, visibili da chiunque ma non da chi quel corpo lo possiede e quindi spersonalizzati, tesi a riprodurre il corpo stesso come un oggetto qualsiasi, sono solo la prima fase del suo scavo.
Nella successiva, oltre a mantenere i difetti di ripresa come lo sfuocato e la distorsione prospettica con risultati di deformazione impietosa dei sembianti, Ilde oscura i volti, ritaglia le immagini alla misura di frammenti, le scudiscia a colpi di pennello. Non adotta, a questo proposito, una strategia precisa: sperimentatrice febbrile, costantemente alla ricerca di effetti inaspettati, impiega tecniche diverse, dalla pittura tradizionale, al dripping, alla mascheratura attraverso una griglia.
Quello che conta è la qualità, direi, penitenziale del colore - dal giallo al viola al blu - colante sulle superfici come sangue da una ferita aperta o raggrumato in aggetti materici simili a bende, cicatrici, cuciture.
Tutto concorre a trasformare in pubblico il privato, ma solo dopo averlo ricondotto a una dimensione poetica dove il corpo, come nelle performance di Gina Pane, "diviene un nuovo territorio di discorso, una nuova indicazione di fuoriuscita dai vicoli ciechi di una realtà che ci ha trasformati in utenti, elettori, pazienti, clienti... nell'esplosione dell'identità e di tutte le sue gabbie di riconoscimento".
Ferire, dunque, per aprire. Trasformare il dolore in messaggio, la sofferenza in comunicazione.
Anche la storia della nostra carne, dei nostri dubbi, delle nostre passioni è incisa in questi quadri. Che non ci manchi il coraggio di leggerla, è la sfida che da essi ci perviene.

Lo sappiamo bene: fra le attività dell'ingegno umano, l'arte non ha fatto eccezione nell'essere stata tiranneggiata dai maschi. Non solo, e non tanto, per il fatto di precludere l'accesso delle donne alla professione, ma per avere negato la possibilità che si potessero esprimere, sull'arte e attraverso l'arte, visioni diverse da quella contemplate dal genere maschile. Sicché, le prime donne che hanno voluto fare le artiste, usufruendo del favore di una parentela maschile (poche le eccezioni in tal senso, come la rinascimentale Properzia De Rossi, cimentatasi, per di più, nella più virile delle discipline, la scultura), hanno concepito, come massimo obiettivo, la perfetta mimetizzazione nell'altro sesso, volendo dimostrare di sapersi esprimere negli stessi modi degli uomini.
In fondo anche Artemisia Gentileschi, sbandierata come esempio di femminismo ante litteram, non ha fatto altro che dipingere donne la cui forza, indubbiamente fuori dai canoni più abituali, si misura nella capacità di compiere le stesse nefandezze dei maschi (l'omicidio efferato), oppure più sensuali e impudiche di quanto un uomo non avrebbe azzardato.
Paradossalmente, sono i generi, gli ambiti in cui i maschi, dissuadendole dall'affrontare il registro eroico, avrebbero voluto relegare le velleità artistiche delle donne (la miniatura, il ritratto domestico, la natura morta, con Fede Galizia che in quest'ultima anticipa perfino Caravaggio), gli spazi in cui le artiste riescono a manifestare, per la prima volta, una sensibilità diversa da quella maschile, un modo di interpretare le tecniche e i soggetti da cui traspaiono valori non coincidenti.

Chi è la prima a proporre un'arte coscientemente improntata sulla diversità dell'universo femminile? Forse, nella temperie esteticamente favorevole del Settecento, Rosalba Carriera, ritrattista d'atmosfera con la quale la vanità e la leggiadria acquisiscono inedite caratteristiche di levità, e Angelika Kauffmann, che della sua particolare gentilezza d'animo, come se dettata da un sentire altro rispetto a quello riscontrabile nelle opere dei maschi, fa il motivo maggiore della propria virtù artistica.
Di qui, l'inizio di un'altra storia, passata per tante mani e segnata da grandi sviluppi, paralleli a quelli dell'emancipazione sociale della donna, anche se, a ben vedere, continuando a muoversi entro il binomio dialettico a cui si é già accennato, da una parte l'omologazione nel maschile, come se l'arte fosse qualcosa di sessualmente neutro, dall'altra la diversificazione del femminile, negando, quindi, la neutralità di cui prima.

E' evidente che le ultime opere di Ilde, a muoverci secondo lo schema così individuato, diversifichino, piuttosto che omologarsi. Sia chiaro, a scanso di equivoci: non credo che Ilde Barone faccia dell'arte femminista, così come la si potrebbe normalmente intendere. Il femminismo é, essenzialmente, una posizione di tipo politico, che non ha affatto disdegnato, anche in arte, la contrapposizione più radicale al modello maschile.
Ilde Barone, almeno come artista, non inneggia, non sermoneggia, né cerca lo scontro aperto: vuole, piuttosto, ampliare il punto di vista, allargare l'orizzonte, a beneficio non di una parte, ma di tutti, maschi compresi. Non rivendica, se non il fatto, elementare, ma tutt'altro che scontato, nel mondo a dominio maschile, di essere in grado di capire e vedere al femminile più di quanto non saprebbero fare non solo gli uomini, ma anche le donne che per emanciparsi perseguono la mascolinizzazione della loro identità.
In questo senso, parlerei, per Ilde, di "feminesimo", così come ho fatto, a suo tempo, anche per un'altra artista dalle disposizioni non troppo lontane dalle sue, malgrado la differenza degli esiti espressivi, Lea Monetti.
Feminesimo da intendere come forma di recupero delle istanze di massima dell'Umanesimo, ma in una chiave che metta la condizione femminile, in quanto dimensione fisica, psicologica e spirituale del tutto speciale, non assimilabile in alcun modo alla condizione maschile, al centro della riflessione, proponendola, finalmente, come possibile osservatorio universale.
Un occhio, una mente, un'anima che, nel caso di Ilde Barone, non vogliono sostituirsi, ma aggiungersi a quelli già comunemente concepiti, “maschiocentrici”, per imparare tutti a sentire meglio, a comprendere più nel profondo, appropriandoci di altri strumenti cognitivi rispetto a quelli che siamo stati abituati ad adottare.
Come si traduce questa motivazione, questa tensione intellettuale, nelle opere più recenti di Ilde? In una pittura di spiccata sapienza formale e grande delicatezza espressiva, dando perfetta raffigurazione, anche nel ricorso a espedienti di filtraggio dell'immagine (i reticoli, antichi strumenti di trasposizione dei modelli, che compaiano per accenni in alcuni dipinti), a un processo di graduale ricerca di un’entità, fisica nel suo punto di partenza, capace poi, attraverso il riscontro corporeo, di rintracciare anche una sua precisa corrispondenza spirituale, non solo in ciò che viene osservato, ma, in modo altrettanto decisivo, anche in chi osserva e rappresenta, tali da poterla riconoscere come la chiara manifestazione di una specificità femminile.
Cerca una presenza, Ilde Barone, facendo emergere, da stesure pastose, irregolarmente nebbiose, la definizione di un’anatomia o un gesto apparentemente minimo, eppure imprescindibile, che vengono rubati di soppiatto, colti in un particolare, un frammento, per evitare qualunque tentazione di completezza, di totalità che farebbe da ostruzione al canale empatico, invece di tenerlo costantemente aperto. E la rinviene, quella presenza, nell'evanescenza di una posa involontaria, nella lampante flagranza di un dorso o di un torso nudi che vengono strappati dall’indistinto, purissimi nella loro spontanea riservatezza, privati di qualunque eroticità maschile, come isole prima sommerse che fossero finalmente giunte ad affiorare dal mare dell’incerto.
Nell'aura di queste isole, anonime, nel loro essere denotate, non appartenendo a nulla che sia personalizzato, ma, semmai, alla femminilità tutta intera, al modo in cui le donne si sentono donne, Ilde riesce a cavare, servendosi al meglio di una pittura umida e granulosa per essere quanto mai sensibile alla palpitazione anche più ridotta, una materia affettiva eccezionalmente viva che vuole a sua volta essere vissuta, fatta propria da chi sta condividendo un'esperienza che non vuole più essere solo artistica, estetica o sensoriale, toccando le corde più intime e segrete dell'emozione.
Chiede alle sue muse silenziose, Ilde Barone, per chiedere a sé stessa, per trovare nella propria coscienza, nella propria individualità il marchio di un denominatore comune da condividere con ciò che sta esplorando, il segno di una grande anima. Magari la stessa evocata da Giovanni Paolo I, uomo, ma più femminista e femenista di qualsiasi donna, quando affermò che Dio é più madre che padre.

Il suo studio, luogo fatto della sua stessa sostanza, è diventato scena di un confronto per scoprirsi, esplorarsi, approfondirsi. In silenzio ho avuto il pregio di ascoltare il suono dei suoi pensieri. Osservare il suo procedere. Presentire la sua ricerca. E di farlo da dietro la macchina da presa, mescolando le carte di due linguaggi. Ilde, semplice, nuda e timida, mi si è rivelata nel luogo dell’anima, spazio fisico e spirituale, bianco e oscuro, antico e bello.